symphonie.

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symphonie. n.f. (du grec sumphônia, « intervalle juste »), sonate pour orchestre, qui se
caractérise par la variété des exécutants et des timbres. Indifféremment appliqué aux
mouvements préliminaires des opéras, cantates, oratorios, autant qu'aux introductions et
« ritornellos » des arias et ensembles du XVIIe siècle, le terme prit son sens moderne à la fin
du XVIIIe siècle, où la symphonie a représenté la forme la plus achevée de musique
orchestrale.

L'évolution de la forme de la symphonie.
Si le mot trouve ses origines dans l'Antiquité, il n'apparut dans la musique occidentale qu'au
XVIIe siècle, servant à désigner une composition instrumentale à plusieurs voix (mais pas
forcément à plusieurs instruments : en 1720, Bach allait encore appeler Sinfonien ses
inventions à trois voix pour clavecin). Dès 1750, en revanche, le terme symphonie se
rattachait à une pièce orchestrale bâtie en forme de sonate. D'innombrables structures
furent expérimentées par l'école de Mannheim et son chef de file Johann Stamitz (17171757), tandis qu'en Italie Giovanni Battista Sammartini (vers 1700-1775) réalisait
certaines oeuvres qui allaient influencer Joseph Haydn et le jeune Mozart. C'est Haydn,
avec ses cent quatre symphonies, qui est considéré comme le créateur du genre. Avec lui,
la symphonie prit des formes infiniment variables et néanmoins durables. Mozart se
distingua de ses prédécesseurs par son sens exceptionnel du timbre et du rythme, créateur
d'un équilibre rarement atteint entre tous les paramètres (Symphonie no 40, 1788).
La symphonie classique comprend le plus souvent quatre mouvements : allegro,
andante (ou adagio), menuet (ou scherzo), finale (allegro, en général).

Expression de l'individualisme romantique.
L'idéal de la symphonie classique fut toujours présent à l'esprit de Beethoven, qui resta
fidèle aux méthodes haydniennes qu'il ne cessa de développer au cours de sa vie (ainsi le
traitement individuel des instruments), tout en intensifiant ses propres procédés,
redevables au changement de statut de l'artiste au XIXe siècle, libre d'exprimer dans sa
musique les conflits de son âme. Face à la grandeur de cette oeuvre, les romantiques
composèrent dans sa continuité, en créant principalement des oeuvres en un seul
mouvement, bientôt confondues avec le « poème symphonique » (Liszt, 1854) et la
musique à programme (Hector Berlioz, Symphonie fantastique, 1830). À la recherche
d'une certaine objectivité, Johannes Brahms et même Anton Bruckner montrèrent un
nouveau souci de la forme stricte, manifeste chez les compositeurs d'après-guerre qui ont
changé le contenu et le sens du terme : dans sa Symphonie pour instruments à vent
(1920), Igor Stravinski conçut des blocs sonores dissociés plutôt qu'une forme unitaire
qu'il allait retrouver dans sa Symphonie de psaumes (1930), première étape d'un
renouveau de la symphonie en France.
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